Nell’intricato arazzo della storia della musica, ci sono momenti che risaltano come audaci pennellate su una tela. Una di queste figure rivoluzionarie che osò sfidare le norme e ridefinire l’espressione musicale europea (secondo il cosidetto filone di Vienna, conservatore per eccelenza) fu Arnold Schoenberg (1874 – 1951).
In un mondo dove la dissonanza incontra l’armonia, la tradizione si scontra con l’innovazione e l’essenza stessa della musica viene rimodellata davanti alle “orecchie” degli ascoltatori. L’innovativa atonalità di Schoenberg (o, Schönberg, utilizzado l’alfabeto tedesco) e l’affascinante tecnica della dodecafonia hanno mandato in shock la scena della musica classica e prodotto reazioni che, senza esagerare, sono arrivate alla rissa.
In un panorama musicale in cui le regole della tonalità vengono infrante, il compositore viennese, aprì la strada a una nuova era di esplorazione sonora. Schoenberg, un visionario in anticipo sui tempi, intraprese un viaggio che avrebbe cambiato per sempre il corso della storia della musica.
Mentre approfondiamo le profondità delle sue tecniche innovative, sveliamo le complessità dell’atonalità e del sistema dodecafonico, testimoniando la nascita di una rivoluzione musicale che continua a echeggiare attraverso i corridoi del tempo.
Nel viaggio affascinante attraverso il labirintico genio di Schönberg, ogni nota sfida il tessuto stesso della composizione tradizionale, spingendo i confini della creatività e rimodellando l’essenza stessa di ciò che la musica può essere.
Il preludio al caos: esplorare l’atonalità nella musica
Prima di immergerci nelle complessità dell’atonalità di Arnold Schoenberg e dell’innovazione dodecafonica, è essenziale comprendere il preludio a questa rivoluzione musicale. La musica tradizionale è stata a lungo governata dalla tonalità, un sistema che stabiliva una gerarchia di altezze incentrata su una tonica. Tuttavia, quando gli artisti cercarono nuovi mezzi di espressione tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo, la tonalità cominciò a sembrare restrittiva.
Schönberg, compositore e teorico musicale austriaco, fu in prima linea in questo movimento di allontanamento dalla tonalità. Ha sfidato le norme stabilite e ha intrapreso un viaggio che avrebbe cambiato per sempre il corso della storia della musica. Abbracciando l’atonalità, Schönberg ha infranto le tradizionali nozioni di armonia e ha aperto la strada a una nuova era di esplorazione sonora.
L’evoluzione della tradizione: la rottura di Schönberg dalla tonalità
L’allontanamento di Schönberg dalla tonalità non fu un salto improvviso ma piuttosto un’evoluzione radicata nella sua insoddisfazione per le strutture armoniche convenzionali. Ha cercato di liberarsi dai vincoli imposti dai centri tonali ed esplorare nuovi regni di espressione musicale.
Un momento cruciale nella carriera di Schoenberg arrivò con la sua composizione “Verklärte Nacht” (Notte trasfigurata) nel 1899. Pur aderendo ancora ad alcuni elementi tonali, questo pezzo prefigurava le sue future esplorazioni nell’atonalità. Gettò le basi per quello che sarebbe diventato noto come il periodo “atonale libero” di Schönberg.
Dissonanza dissecante: comprendere l’armonia atonale
L’armonia atonale è caratterizzata dalla mancanza di un centro tonale o di una tonalità. Nella musica tradizionale, la dissonanza viene spesso risolta attraverso il passaggio a una consonanza. Ad esempio, un accordo di settima construito sulla dominante (il V grado di una scala diatonica), “cade” normalmente sulla tonica (il primo grado), in quella che si chiama “cadenza perfetta o autentica” (e.g., Sol Do). Tuttavia, nella musica atonale, la dissonanza viene abbracciata, emancipata e diventa parte integrante della composizione.
Al primo ascolto, la musica atonale può sembrare caotica o addirittura inquietante per chi è abituato alle strutture tonali. Tuttavia, all’interno di questo paesaggio sonoro apparentemente disordinato si nasconde un complesso sistema di organizzazione ed espressione.
L’atonalità consente ai compositori di esplorare un’ampia gamma di emozioni e stati d’animo che potrebbero non essere facilmente trasmessi entro i confini della tonalità. Schoenberg discusse molti di questi concetti nel suo celeberrimo “Trattato di Armonia“, un testo che, per sua stessa dichiarazione, era nato dal lavoro di insegnamento e che affronta i vari concetti dell’armonia con ampie discussioni critiche e spiegazioni delle ragioni che possono giustificare alcune scelte radicali, estranee alla cultura classica e conservatrice.
Svelare la tecnica dodecafonica: una rivoluzione nella composizione
La tecnica dodecafonica, conosciuta anche come “tecnica dei dodici toni organizzati in una serie in cui ogni nota è in relazione solo con la successiva”, fu l’innovazione rivoluzionaria di Schoenberg che allargò ulteriormente i confini della composizione musicale. Questo metodo cercava di creare un’eguale enfasi su tutte e dodici le altezze all’interno di un’ottava, eliminando qualsiasi senso di gerarchia o centro tonale.
Con la tecnica dodecafonica, Schoenberg mirava a stabilire un nuovo sistema che fornisse ai compositori maggiore libertà pur mantenendo un senso di struttura. Ogni composizione utilizzerebbe tutte e dodici le altezze in un ordine specifico chiamato riga o serie di toni. Questo approccio sistematico assicurava che nessuna tonalità venisse ripetuta finché tutte le altre non fossero state utilizzate.
La sinfonia matematica: analisi della struttura delle linee dodecafoniche
L’analisi della struttura delle linee dodecafoniche rivela la precisione matematica alla base delle composizioni di Schoenberg. Ogni sequenza iniziale di tutti i dodici toni può essere trasposta, invertita (i.e., in senso di inversione degli intervalli melodici tra una nota e la successiva – un terza ascendente può diventare una terza discendente), resa retrograda (i.e., invertita partendo dall’ultima nota e arrivando alla prima) e, infine, è possibile anche invertire il retrogrado per creare variazioni mantenendo le sue relazioni melodiche e armoniche originali.
Questa complessa manipolazione delle sequenze di altezze consente intricati sviluppi musicali e trasformazioni motiviche nel corso di un pezzo. Le composizioni risultanti sono ricche di complessità e offrono infinite possibilità di esplorazione e interpretazione.
Abbracciando il serialismo: l’eredità di Schoenberg nella musica moderna
Le tecniche innovative di Schönberg gettarono le basi per il serialismo, un approccio compositivo che si estende oltre la tecnica dodecafonica. Il serialismo comprende l’uso di sequenze ordinate non solo per l’altezza ma anche per altri elementi musicali come ritmo, dinamica e timbro.
Il serialismo ha aperto nuove strade ai compositori per esplorare e sperimentare le strutture musicali. Forniva una struttura che consentiva un’organizzazione complessa lasciando comunque spazio all’espressione e all’interpretazione individuale.
Oltre i confini: l’influenza dell’atonalità sui compositori contemporanei
L’impatto dell’atonalità e dell’innovazione dodecafonica di Schönberg si estende ben oltre le sue stesse composizioni. Le sue idee rivoluzionarie hanno ispirato innumerevoli compositori a spingere ulteriormente i confini della musica tradizionale.
I compositori contemporanei continuano a trarre ispirazione dalle tecniche di Schönberg, incorporando elementi atonali nelle loro opere e aggiungendo le loro prospettive uniche. Questa continua esplorazione garantisce che l’eredità dell’atonalità rimanga viva e rilevante nella musica moderna.
Reazioni e controversie: l’impatto della rivoluzione musicale di Schoenberg
La rivoluzione musicale di Schönberg è stata accolta con reazioni contrastanti sia dal pubblico (che, come già accennato, è arrivato perfino alle mani e a richiedere l’internamento in una clinica psichiatrica) che dagli altri musicisti. I tradizionalisti vedevano il suo allontanamento dalla tonalità come una minaccia alle norme stabilite, mentre altri abbracciavano il suo spirito innovativo.
La controversia circondò Schönberg per tutta la sua carriera, con i critici che mettevano in dubbio la validità e l’accessibilità delle sue composizioni. Tuttavia, questa resistenza non ha impedito né a lui né ai suoi seguaci di perseguire la propria visione artistica.
Echi di innovazione: tracciare l’eredità dell’atonalità e della tecnica dodecafonica
L’eredità dell’atonalità e della tecnica dodecafonica di Schönberg può essere ascoltata in innumerevoli composizioni di vari generi. Dalla musica classica alle colonne sonore dei film, gli echi di questa rivoluzione musicale continuano a risuonare nel tempo.
Compositori come Alban Berg, Anton Webern e Igor Stravinskij (seppur molto tardi) furono tra quelli influenzati dalle innovazioni di Schönberg. Le loro opere ampliarono ulteriormente le basi gettate da Schönberg, creando un ricco arazzo di esplorazione e innovazione musicale.
Vale anche la pena citare John Cage, allievo del maestro durante il suo “esilio” in California (a causa delle persecuzioni naziste). Nonostante Schoenberg non nutrisse molta stima per Cage, quest’ultimo restò molto attaccato ai suoi insegnamenti e, nonostante il suo approccio fondato principalmente sul rumore (e sulla sua complementare assenza), fu sempre riconoscente a Schoenberg per il suo contributo allo sviluppo della musica occidentale.
Il riverbero continuo: come la visione di Schoenberg continua a modellare la musica
La visione di Schönberg e il suo approccio rivoluzionario alla musica continuano a plasmare il panorama della composizione contemporanea. La sua volontà di sfidare le norme consolidate e di ampliare i confini della creatività ha aperto nuove possibilità per le future generazioni di musicisti.
Oggi i compositori traggono ispirazione dall’atonalità e dalla tecnica dei dodici toni di Scheonberg, incorporando questi elementi nei loro stili unici. L’eredità di questa rivoluzione musicale sopravvive, ricordandoci che la vera innovazione spesso deriva dall’osare liberarsi dalla tradizione.
Testo di riferimento
- L'attività didattica di Arnold Schönberg occupa un posto preminente nella cultura musicale del Novecento
- Questo libro non vuole essere un "trattato di armonia" secondo gli schemi precostituiti nell'insegnamento dei conservatori, bensì una vera e propria fenomenologia del linguaggio musicale, continuamente soggetta alle modificazioni dell'esperienza viva dell'arte
- Completamente ritradotto, il Trattato continua a essere uno strumento di studio e approfondimento, non solo per i musicisti, ma anche per chi è interessato a conoscere e ad approfondire la storia di un'epoca
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